Biutiful

Biutiful (Alejandro González Iñárritu) es solo una ironía. Más bien la película es dura, triste y de realismo oscuro, sin ambages. Drama con mayúsculas en la línea de los personajes torturados y desesperanzados de 21 Gramos. Trata grandes temas como la inmigración, la pobreza, la familia y la muerte.

Javier Bardem (inmenso como siempre) interpreta a un paria social que actúa como eslabón dentro de la gran cadena mafiosa en la cual se ven atrapados muchos inmigrantes. La peculiaridad es que, lejos de dar una visión maniquea de este tipo de redes, plantea la pregunta de si algunos de los implicados, en el fondo, no serán tan víctimas como las propias víctimas. Arrastrados por su propia situación, llegan a explotar a otros seres humanos pero, en sus breves accesos de conciencia, intentan ayudar de formas extrañas.

Bardem y el decrépito entorno personal que le rodea se mueven en la Barcelona más apartada y sucia, esa que los turistas no queremos ver, donde proliferan pisos-patera, niños sin padres, enfermedades que a priori tendrían cura y extranjeros esclavizados en un Primer Mundo que no es lo que les prometieron.

A pesar de que la historia se desliza en ocasiones hacia el catastrofismo y lo previsible, es un excelente retrato del mundo en el que vivimos, de la España más vergonzante y subdesarrollada.

Si vais a verla, no dejéis escapar el mensaje final: Los inmigrantes cuidan de nosotros de las formas más insospechadas.

Nota:8

La red social

La red social no es una película sobre Facebook. Es una tragedia griega, un retrato psicológico de un personaje amargado, una demostración de que la obsesión y la envidia pueden resultar inesperados motores de la fuerza emprendedora y un manual de cómo hacer crecer una empresa desde la nada.

Cómo estar solo con 500 millones de amigos, diría yo.

Mark Zuckerberg es el protagonista accidental de esta reflexión sobre la venganza hacia el ser amado y la traición a tus propios amigos, digna del mismísimo Shakespeare.

David Fincher (El Club de la Lucha, Zodiac y otras joyas de nuestro tiempo), crea un relato oscuro e impecable en cuanto a ritmo. Nos cuenta cómo Zuckerberg toma el germen de una idea a cargo de unos estirados de Harvard (cuyo objetivo final era modernizar vía Internet el ligoteo endogámico de la elitista universidad), y lo desarrolla hasta convertirse en el imperio actual de las relaciones frágiles y exhibicionistas que tanto nos entretiene (Facebook).

El dueño del imperio no sale bien parado (aparece tan talentoso como mezquino). En su carrera hacia el éxito propio y la destrucción de los demás se ve aupado por un sorprendente Justin Timberlake, que interpreta a uno de los autores de la finada Napster (aquel invento que demostró lo que luego se certificó, es decir, el fin de la industria musical tal como la habíamos conocido). En este caso Timberlake es el particular demiurgo de Zuckerberg, alentándole en su camino hacia la cima, olvidando todo rastro de ética.

En definitiva, una historia sólida, excelentemente bien contada y que os gustará aunque odiéis Facebook.

Nota: 8

Duelo de críticas x 3

No hagáis esto, niños, pero os voy a dar un post triple en el que os contaré las últimas pelis que he visto, para que veáis que no me olvido de ir al cine (y contároslo):

- Origen: Christopher Nolan vuelve a los tiempos de Memento, con una película laberíntica en la que el protagonista parece condenado a perseguirse a sí mismo por los recovecos de su mente. Desenlace inconcluso de los puñeteros.

Nota: 7

- El americano: George Clooney se pone al servicio de Anton Corbjin, que cambia la dirección de vídeos de U2 por un cine con una historia densa, pausada, ambientada en un aburrido a la vez que claustrofóbico pueblo italiano al más puro estilo de Roberto Rossellini o Sergio Leone (hay referencias indiscutibles). Clooney, como siempre, impecable.

Aparece la canción que da nombre a la película en su maravillosa versión original, no la insufrible que acaban de sacar.

Nota: 7,5

- Buried: Película a medio camino entre el experimento, la denuncia social y el thriller de acción, a pesar de estar ambientada en un ataúd: Un conductor americano es secuestrado en Irak. Al despertar bajo tierra, su única compañía es un móvil, a través del que conseguirá contactar con el FBI, el Departamento de Estado, su empresa...Las respuestas de todos ellos dejarán mucho que desear y muestran la desesperanza gubernamental a la que estamos condenados en caso de vernos en situaciones problemáticas. Entretenida e interesante.

Nota: 7

Two lovers

La eterna disyuntiva entre lo que nos conviene y lo que nos gusta: Esto es lo que plantea "Two Lovers", drama romántico con mayúsculas (sin caer en el pastel).

Tras "La noche es nuestra" (película policíaca muy recomendable con reminiscencias de "Atrapado por su pasado"), el poco conocido Michael Gray recupera a Joaquín Phoenix (la mirada más triste de todo el cine actual). Su estilo atormentado le sirve para dar vida a Leonard, un joven bipolar, taciturno y con ideas suicidas. Vive atrapado en la matadora monotonía del negocio familiar, con unos padres (magnífica Isabella Rossellini como madre sufridora), que luchan por la estabilidad emocional de su hijo. Para ello idean el plan de emparejarlo con una chica guapa, educada y formal, que sueña con cuidar de ese hombre desvalido, prometiéndole el equilibrio y el cariño maternal que tanto necesita su personalidad torturada.

Sin embargo, el protagonista sueña con la vecina de arriba (sorprendente Gwyneth Paltrow), aquejada de males mentales semejantes y de vida caótica. A pesar y precisamente por esto, Leonard se queda fascinado por la fuerza y la vitalidad del personaje de Paltrow, obviando la oscuridad y egoísmo de la rubia fatal.

Noches accidentadas y escapadas a la terraza de madrugada terminan de aderezar esta relación tan emocionante como peligrosa.

Joaquín Phoenix interpreta a un personaje desprovisto de adornos, tan verdad como cualquiera de nosotros.

El final: Demoledor. Que nadie espere topicazos románticos sino más bien una patada de realidad.

Dramón indie tristísimo y exento de dulzura.

Nota: 7,5

Alicia en El País de las Maravillas

Poco que decir sobre esta película. Simplemente que mantiene el estilo siniestro de Tim Burton y poco más. La personalidad del director queda diluida en una estética brillante. Ni rastro del autor de Ed Wood.

Sin embargo otras películas, por mucho tiempo que pase, siguen fascinando. Este es el caso de Matrix, la cual he recuperado recientemente. No deja de apasionarme esa historia de máquinas que dominan el mundo, de seres humanos que se cultivan en campos para obtener su energía, de un programa informático llamado Matrix que simula la realidad para mantener adocenadas a millones de personas. Aquí también encontramos referencias a Alicia en El País de las Maravillas y El Mago de Oz, más acertadas que nunca.

Prescindible la trilogía, imprescindible el germen.

The Road. La Carretera

Un día te levantas y descubres que el mundo tal como lo conociste no volverá a existir. Las razones son desconocidas y a partir de ahora sólo queda destrucción, miedo, hambre y seres humanos muy poco recomendables. Pero peor que todo ésto es la pérdida de la esperanza y la confianza. Esta es la premisa en la que se basa "La Carretera".

Bajo la aparente historia de un padre (crepuscular Viggo Mortensen) luchando por sobrevivir junto a su hijo, se esconde una reflexión sobre la importancia de mantener el optimismo y seguir creyendo en la bondad de las personas aún en las circunstancias más difíciles.

Mortensen (que en la película carece de nombre porque en un mundo de sólo dos éste no se necesita) emprende junto a su vástago un camino en busca de un lugar adonde no haya llegado el Apocalipsis. Durante el viaje, asistimos a la desolación y muerte en todas las esquinas, para las que el padre ya está anestesiado.

El padre ha dejado de creer en la especie humana y huye de todo el mundo, instalado en la paranoia, sin pararse a comprobar si quizá otros pudieran servirle de ayuda. Se considera perseguido por los demás y se autoproclama perteneciente al casi inexistente grupo de los "buenos". Su hijo (también desposeído de nombre propio) actúa como revulsivo, preguntándole a su padre constantemente el porqué de su actitud (a pesar de parecer evidente) y cuestionando si merece la pena esa escapada continua, el pánico atroz, la falta de solidaridad.

El niño se da cuenta de que, aún con buenas intenciones, el padre ha desvirtuado su propia condición humana, perdiendo todo atisbo de compasión o empatía. El pequeño viene a ser una especie de dios al que nadie escucha y que sigue sin poder permanecer impasible ante el dolor.

Película triste, dura y con un mensaje de mucho más calado del que parece en la superficie.

Nota: 7,5

Shutter Island

Claustrofóbica, tensa y endemoniada. Así es Shutter Island. Martin Scorsese mantiene su ritmo frenético y su capacidad para atrapar al espectador desde el minuto uno con esta historia de reminiscencias propias de Hitchcock ( para quien la haya visto, el faro le recordará al fatídico campanario de Vértigo).

A pesar de que desde el mismo inicio podemos adivinar que existe una historia retorcida y extraña tras la aparentemente rutinaria investigación a cargo de Leonardo DiCaprio, la película consigue lo que sólo logran algunas elegidas destinadas al Olimpo del entretenimiento y la diversión tramposa: Que desees quedarte hasta el final para averiguar el desenlace del rompecabezas, realmente bien resuelto, imaginativo y a ratos brillante.

Scorsese sabe cómo inquietar al espectador, sin que estemos ante un film de terror propiamente dicho.

Leonardo DiCaprio (nuevo actor fetiche del director neoyorquino) consigue una buena interpretación a base de paranoias bélicas y familiares, compartidas con su misterioso compañero de trabajo.

Para amantes del Scorsese más descafeinado, sin por ello perder la personalidad por la que le amamos.

Nota: 7,5

Invictus

Otra película impecable de Clint Eastwood. Si en Million Dollar Baby nos mostraba la heroicidad de una joven que buscaba triunfar a través del boxeo, en Invictus vemos la heroicidad de un hombre encarcelado por defender la igualdad racial. Pero todavía más admirable que eso, es comprobar la sabiduría y generosidad de Nelson Mandela, que al llegar a presidente no buscaba la revancha sino la reconciliación, aún a costa de la incomprensión de los suyos.

Gran papel de Morgan Freeman, que no sólo encarna al político sino también al ser humano con sus cuitas y su dolor por la familia perdida en el camino de la lucha.

Una muestra de cómo muchas veces el deporte va más allá del puro entretenimiento y puede convertirse en una poderosa arma política.

Nota: 7

Up in the air

Jason Reitman siempre nos ofrece retratos ácidos sobre la sociedad actual ( ver Juno o Gracias por fumar). En este caso nos adentramos en una historia totalmente pegada a la realidad: Un ejecutivo (George Clooney) que trabaja para una empresa especializada en comunicar despidos.Un negocio así sólo se explica por la cobardía de jefes que no se quieren enfrentar a sus empleados y prefirieren pagar para que otro cargue con las malas noticias. Os podéis imaginar que en una crisis como la que vivimos, la empresa está en plena apoteosis.

George Clooney vive entre aviones, hoteles y restaurantes. Su casa es un pequeño apartamento prácticamente vacío, apenas se habla con su familia y es enemigo de los compromisos. Esta forma de actuar se explica por su filosofía vital: Si nuestra vida fuera una mochila con la que cargamos, vaciémosla de todo ( relaciones, propiedades...) y así podremos ser libres y continuar caminando. Esta premisa, a priori bastante sugerente, salta por los aires para el protagonista tras conocer a una mujer misteriosa y una jovencita que le enfrenta a todo aquello que parece instalarse irremediablemente en nosotros al cumplir años: el cinismo, la acomodación, la resignación, la pérdida de ideales, el dejar de buscar aquello que soñábamos.

La conclusión de la película es tan ambigua como descorazonadora.

En definitiva, estamos ante una tragicomedia sobre las corazas impostadas, con algunas frases realmente memorables, como por ejemplo la referida a esa moda tan actual de cortar relaciones por sms...

Nota: 8,5

Teniente Corrupto

Teniente Corrupto era el título de una película de Abel Ferrara con Harvey Keitel de protagonista. Ahora es un remake con el mismo título y el mismo espíritu: Retratarnos las miserias de un policía drogadicto envuelto en los ambientes más sórdidos.

Aquí, Nicolas Cage ( en su mejor papel en años a pesar de su tendencia a la exageración) interpreta a un policía adicto a todo, enamorado de una prostituta, frecuentador de delincuentes varios y aficionado a incumplir la ley con tal de satisfacer su autodestrucción.

Sin embargo, a pesar de su corrupción que parece no haber dejado ni un ápice de ética ni de dignidad, mantiene un curioso sentido del deber que le lleva a investigar el caso de una familia asesinada.

La Nueva Orleans post Katrina contribuye al feísmo y a la decadencia que invade, no sólo el aire, sino la propia existencia de los personajes.

Os recomiendo tanto la película original (muy dura), como ésta, con más toques de humor surrealista pero el mismo mensaje pesimista con respecto la condición humana.

Nota: 7

Avatar

He formulado ya esta pregunta en Facebook y os la traslado a vosotros:

¿Soy yo la única que piensa que Avatar está sobrevaloradísima?

Casi tanto como lo estuvo en su día Titanic.

Vale que la peli lleva su mensaje ecologista y de crítica a las guerras que acaban con los países por intereses económicos. Incluso puede servirme el argumento de que es espectacular visualmente, pero más allá de eso, ¿hay justificación para tanta locura?

Que los personajes son totalmente planos y la narración previsible a más no poder.

Nota: 5,5

Paranormal Activity

Sí, yo también he caído en el fenómeno Paranormal Activity. Una vez vista puedo afirmar que estamos ante un maravilloso ejemplo de campaña de marketing eficaz...y poco más.

Si bien es cierto que la película consigue crear un ambiente un tanto desasosegante y que incluso la noche siguiente te preguntes si habrá alguien mirándote mientras duermes, no impresiona más allá al espectador. Desde luego que no estamos en el nivel de terror de El Exorcista.

Juega con elementos psicológicos, con un escenario cerrado que sugiere la claustrofobia de los que parecen atrapados y con una presencia que no se llega a materializar salvo al final ( lo más impactante, quizá).

En cuanto al formato, nada que no hayamos visto ya en El proyecto de la Bruja de Blair o Rec, aunque siempre se agradecen nuevos estilos más allá del susto fácil o de la musiquilla manida.

Para pasar el rato.

Nota: 6

Gomorra&Moon

He visto dos películas muy diferentes pero interesantes cada una a su manera.

Gomorra o de cómo la Italia, no sólo de Berlusconi sino de todos los políticos, se ha convertido al sur de Nápoles en un territorio empobrecido dominado por la mafia. Donde las personas viven en condiciones más propias de cualquier suburbio de Latinoamérica que de uno de los países más ricos de Europa. El director (Mateo Garrone) no observa con ningún tipo de cariño a sus personajes. Los retrata y muestra su muerte tal como fue su vida: Violenta y sórdida.

Nota:6

Moon: Ya os he contado que amo el género de ciencia ficción y, si además se cuenta la historia de un astronauta perdido en la inmensidad del Universo, entonces mi amor ya es total. Este es el caso de Moon, que nos presenta un mundo futuro en el que se realizan misiones comerciales a la Luna con el objetivo de extraer energía para la Tierra ( argumento muy plausible, por otra parte). El astronauta lleva tres años en su nave y recuerda incesantemente a su mujer, que le envía mensajes desde casa. El protagonista comparte su tiempo con un robot ( con la voz de Kevin Spacey) que en principio nos recuerda al mítico Hal 9000 de 2001 pero del que acabamos descubriendo un lado sorprendentemente humano.

La película es poética, emotiva y de paso nos viene a recordar los peligros de la tecnología aplicada indiscriminadamente al mundo de la empresa.

El director (Duncan Jones) es un descubrimiento a seguir.

Nota:8,5

2012

Este finde he ido a ver 2012 ( sí de vez en cuando a una le gusta despejarse con tonterías). No me extenderé mucho, únicamente os contaré que es puro humor involuntario, como dice un blog que suelo leer.

La reflexión final es: Si nos quedan apenas 3 años, ¿para qué preocuparnos?

Nota: 5

Celda 211

Daniel Monzón era un crítico de cine ( de fantástica redacción) que un día decidió dar el salto a la dirección. Hete aquí una de sus últimas y muy recomendables películas: Celda 211.

Es de esas películas que circunscribiríamos dentro del género de carcelarias: Historia sobre un motín en un presidio alejado del mundo. Un inmenso Luis Tosar (alias Malamadre) encabeza la revuelta. Cual revolucionario exige la mejora de los derechos de los internos. Malamadre es de esos tipos desconfiados, vapuleados por la vida y con un código ético tan peculiar como inquebrantable. Sin nada que perder, no le importa las verdaderas consecuencias de sus actos.

Para sofocar el motín, el Gobierno envía a una serie de negociadores a cual más gris e inepto, demostrando así el poco respeto de las autoridades hacia los problemas de los reclusos. Nos preguntamos así si son peores los presos ( directos y sin nada que esconder) o el propio Estado, que manipula, engaña y no tiene escrúpulos a la hora de pactar con los más indeseables con tal de salvar un determinado escollo.

Esta también es una película sobre la fatalidad y la casualidad. Sobre cómo un buen hombre puede cometer malos actos en un día aciago. Este es el caso del alter ego de Malamadre, Alberto Amman, que encarna a un joven funcionario que sin querer se ve atrapado en la revuelta y tiene que adaptarse instantáneamente a la situación, con un instinto de supervivencia y una capacidad de violencia que al final no lo alejan tanto de aquellos a los que en un principio tenía que custodiar.

Dura, trepidante y con un guión apasionante, es una de las mejores pelis españolas de este año. No os la perdáis.

Nota: 8

Malditos Bastardos

Malditos Bastardos no es, como cabría esperar, una revisitación de Grupo Salvaje a cargo del autor de Pulp Fiction. Amigos, resulta que Tarantino ha madurado ( o eso parece) y se ha alejado ( o eso parece) de ese cinéfilo ex-dependiente de videoclub aficionado a homenajear en sus obras la serie Z de los 70.

Los malditos bastardos son un grupo de mercenarios judeo-americanos que se van a la Francia ocupada de la II Guerra Mundial a "cazar" nazis ( como ellos mismos afirman). Su caza no es tan salvaje, ni tan alocada, ni tan gore, ni tan cáustica como si la llevara a cabo la Uma Thurman de Kill Bill.

Sin embargo, Tarantino no escatima algunos de los sellos personales que inundan sus películas, a saber:

- El amor por el cine. Todo es cine en esta película, especialmente la espectacular escena final a modo de venganza poética.

- Los personajes arquetípicos: Atención al oficial nazi interpretado por Christoph Waltz, un auténtico "olfateador" de judíos capaz de detectarlos en los lugares más insospechados. Las escenas a su cargo son las más tensas (haciendo gala de un pulso narrativo propio de Hitchcock), por no hablar de su eterna enemiga Soshana/Melanie Laurent ( y su némesis de estética ochentera).

Paradójicamente los papeles que deberían de llevar el peso como el de Adolf Hitler o el teniente Aldo Raine ( Brad Pitt) no son los más destacables.

- La capacidad tarantiniana para crear pequeñas películas dentro de la película: Véase el desasosiego que se respira en la escena del bar donde coinciden los bastardos y los nazis ( digna de un pequeño corto sobre fatales coincidencias) o la apertura en la granja lechera, prodigios del manejo del tiempo y del espectador.

Quizá no es lo mejor de Tarantino, pero merece la pena.

Nota: 7

Gordos

Azuloscurocasinegro, de Daniel Sánchez Arévalo, me fascinó por esa mezcla entre amargura y belleza, por su inmensa capacidad para servir como retrato de una generación de veinteañeros condenados a peregrinar por el difícil camino del mundo laboral, las relaciones amorosas y la familia, aprendiendo de paso que la bondad no es muy útil en el mundo de hoy. Esa conciencia del dolor asociado al vivir también se encuentra en la esencia de Gordos, su última película ( a la sazón propuesta por la Academia de Cine como una de las posibles candidatas a representarnos en los próximos Óscar).

Gordos es la historia de un grupo de obesos que acuden a una terapia para conseguir librarse de esos kilos de más que la sociedad les impone perder. Sin embargo, mediante un terapeuta con sus propios fantasmas, descubren que más allá del problema superficial se esconden profundos sentimientos de insatisfacción vital: Gordas en forma de ejecutivas hastiadas de relaciones estables y que se lanzan a la búsqueda (un tanto vacía) de emociones diferentes, gordos ex-vendedores de productos para adelgazar, gordas atrapadas en relaciones asexuadas y enfermizas y gordos autocomplacientes, tan felices de su condición que se vuelven ciegos ante el sufrimiento de los demás.

Al final, el estado físico se vuelve una pura anécdota cuando lo que no funciona es el interior, la imagen que las personas construyen para ellas mismas y para los demás, la farsa con la que algunos pretenden engañarse a si mismos, autoconvenciéndose de lo felices que son y que ese leve cosquilleo que a veces acecha en la conciencia no es ningún signo de infelicidad, sino estupideces a las que es mejor no hacer caso y ahogar con comida ( o drogas, o sexo o...).

Por eso el mundo está lleno de gordos.

Nota: 8

Duelo de críticas: Ice Age 3

Como estamos en verano, tocan películas ligeritas como esta Ice Age 3. Me confieso seguidora de las aventuras de este grupo de animalitos de la Edad de Hielo desde los inicios de la saga.

Pensaba que esta tercera parte sería un tanto bluf a la vista de algunas secuelas que estamos sufriendo últimamente. Sin embargo, mantiene el sentido del humor y las ganas de hacer reír al espectador.

En cuanto a los personajes, su existencia se encamina hacia la madurez ( matrimonio, hijos, responsabilidades) y al final se nos da una sorprendente lección sobre el amor, la familia y, por qué no, las ventajas de la soltería.

Acierto supone mantener como siempre el personaje de la ardilla Scrat, que actúa a modo de leit motiv y sketch permanente. Nuestra ardilla favorita permanece en su eterna búsqueda de la bellota, complicada esta vez por la aparición del que parece el amor de su vida, tanto que, por un instante, olvida la bellota.

Divertida y de un calidad técnica intachable.

Nota final: 6,5

Otra opinión en el blog de Raúl.

Duelo de críticas: Tetro

Tetro es de esas películas a las que una se acerca con especial cariño habida cuenta de su autor (Francis Ford Coppola), que en los últimos años parece algo perdido desde sus gloriosos trabajos de la década de los 70.

En esta ocasión el director de El Padrino, nos ofrece una historia clásica, de las de búsqueda de la identidad y los orígenes. Reflexiona sobre la familia y sus disfunciones, uno de los núcleos sociales que más enfermedad mental acarrea. De eso sabe mucho Tetro, el protagonista encarnado por un inigualable Vincent Gallo, ese actor de mirada inquisidora y aspecto permanentemente atormentado. Tiene que lidiar con los secretos y el dolor de la sombra de un padre genial en lo profesional y mezquino en lo personal.

Tetro se reencuentra con su hermano Benni ( Alden Ehrenreich), un especie de reedición de Marlon Brando en la piel de un actor jovencísimo de gesto magnético, entre duro, desafiante y aniñado.

En cuanto a las actrices, Maribel Verdú está correcta interpretando a una psiquiatra unida para siempre a uno de sus pacientes. No tan bien está Carmen Maura, con un personaje histriónico, caricaturesco y prescindible.

La película se hace a ratos un tanto espesa pero en general seduce por su aire barroco, trágico y de experimentación a través de otras artes relacionadas con el cine. En el fondo no tan alejada de otras obras personalísimas de Coppola.

Además, merece la pena por esas postales de Argentina y en especial de la Patagonia, que en ocasiones se vuelve onírica.

Nota final: 7,5

Otra opinión en el blog de Raúl.

Duelo de críticas: ¿Hacemos una porno?

El sexo lo cambia todo, especialmente si decides practicarlo con tu mejor amigo/a. Esta es la premisa fundamental de ¿Hacemos una porno?, que además nos plantea la eterna pregunta de si hombres y mujeres pueden mantener una amistad sin complicarlo con el amor.

Kevin Smith ya no es aquel de las comedias ácidas tipo Clerks o Mallrats. Sin embargo, sigue conservando intacta su capacidad para retratar a gente joven, desafortunada y carente de glamour, justo el perfil contrario al que Hollywood pretende vendernos a diario.

Zach y Miri son unos buenos representantes de este colectivo de parias. Dos amigos de toda la vida que además comparten piso. Sus graves problemas económicos les llevan a decidir rodar una película porno, con el fin de resolver su situación. Ni que decir tiene que el rodaje será accidentado, la calidad técnica digna de Ed Wood y el elenco de actores un grupo de entrañables outsiders de la perfección pornográfica. Durante el rodaje, ambos protagonistas caerán en la cuenta de ciertas cosas soterradas hasta ese momento.

La película deriva hacia la comedia romántica y, aunque no deja de tener su componente de previsibilidad, nos invade la curiosidad por ver cómo Smith se mueve en este terreno. La efectividad de la historia radica en su sencillez y en su capacidad para arrojar sobre los personajes una mirada real, irónica y a ratos un poco triste, pero no demasiado porque abundan los momentos memorables.

Comedia romántica procaz. Quizá menos sutil que otras pero mucho más divertida.

Nota final: 7

Otra opinión en el blog de Raúl.